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El proyecto Thesauri Rituum está comprometido con la ciencia abierta y con las políticas de difusión de la investigación. Por eso, toda su producción científica se puede localizar, además de en otros lugares, en una comunidad creada al efecto en el repositorio Zenodo impulsado por OpenAIRE.
The altarpiece on the main altar of Oviedo Cathedral is one of the largest and best preserved of Spain’s giant late Gothic retablos. It was erected between 1511 and 1531 by several carpenters and woodcarvers from Spain, the Low Countries and perhaps northern France. Whereas the style of the carved scenes, figures and baldachins is clearly rooted in the Netherlandish tradition, retables of such a vast size and with such an architecturally-designed structure remained exclusive to the Iberian Peninsula. The traditional term hispanoflamenco (Spanish-Flemish) fails to do justice to the altarpiece’s hybrid character, as it is more complex than just a Flemish import. Its appearance and message must be understood in the light of late medieval Oviedo’s cultural and economic networks that extended from the Peninsula along Europe’s Atlantic rim. Additional circumstances of a distinctly local character also influenced the design and iconography of the altarpiece. These include its location in a short chancel behind a transparent trellis screen which made it clearly visible to all those present, and an intriguing local tradition surrounding a late Antique marble jar that was venerated as one of the vessels said to have been present at the Wedding at Cana.
Oviedo Cathedral, high altarpiece, 1511–1531: the Temptation of Christ in the desert. Foto: Aintzane Erkizia-Martikorena, 2025.
Este artículo propone unas reflexiones en torno a las aportaciones que hace el color en la forma y el contenido de los sagrarios, esos muebles de alta carga simbólica consagrados a custodiar la eucaristía. A través de testimonios documentales y unos casos salpicados por la geografía hispana y europea y de cronologías que rondan los siglos XIV, XV y XVI, se expresan unas interpretaciones de los colores en el diseño y ejecución de los tabernáculos. Comenzando por el dorado —imprescindible y prescriptivo— y con las labores polícromas de pincel en los sagrarios de madera, en un segundo apartado se atiende la omnipresencia del color blanco en los sagrarios de piedra, mostrando sus características, origen y significados. Una tercera parte se dedica a los interiores de los sagrarios, lugares inaccesibles en los que se desarrollan sugerentes propuestas artísticas, ya que se diseñan hacia el interior y no hacia el espectador, siendo un campo para la reflexión desde la Historia del Arte.
Detalle de la torre eucarística de Nördlingen (Alemania), parroquia de San Jorge. Matthias Werntz, a partir de 1470. Foto de la autora.
Este artículo analiza, por primera vez, la presencia de panni tartarici y otros textiles orientales en la Iglesia de la corona de Castilla entre 1270 y 1385 a través de fuentes documentales, demostrando la existencia de los mismos materiales de lujo que fueron empleados en otros reinos occidentales. Merece destacarse no sólo la abundancia de términos empleados como panni tartarici, suria, damasco, bucaran o tapete entre otros, sino también la gran cantidad de estos textiles listadas en los inventarios. Esta documentación permite identificar algunas de las características de los tejidos y antecede la aparición de algunos de los términos en Castilla con respecto a lo que hasta ahora se había considerado.
Detalle de la llamada dalmática de Santa Susana, catedral de Santiago. Foto: Fundación Catedral de Santiago.
Muchas de las iglesias alavesas que se construyeron entre los siglos XII y XIII se decoraron en su interior con pinturas rojas sobre un fondo de cal blanco. Las del muro absidal de la iglesia de San Martín de Tours constituyen un caso extraordinario, tanto por la cantidad de pintura conservada como por la singularidad de su temática. Partiendo de los datos obtenidos en la última restauración, este artículo aborda por vez primera un estudio completo del conjunto, estableciendo un marco cronológico para las diversas capas que se fueron sucediendo. A partir de ahí, se analiza la capa actualmente visible y que corresponde con la más antigua de todas, identificando sus principales figuras. Con ello, se ponen las bases de una cultura visual inadvertida, formada por piezas escasamente atendidas desde la historia del arte como son las lápidas o estelas de diversas cronologías, que nos permitirá desarrollar una reflexión teórica sobre los significados de estas imágenes con relación al tiempo.
This study offers an in-depth exploration of the visual representation of Roman Rite liturgical altars in medieval images from the 13th to the 15th centuries, presenting a fresh perspective on the altar as a central and complex element of medieval liturgical furnishings. It examines key iconographic themes, such as the introit Ad te levavi animam meam and masses celebrated by saints, often depicting divine interventions during the Eucharist. Additionally, the research investigates the role of performative visual elements, such as curtains, which contributed to the depiction of sacred space within altar scenes. These visual devices help convey the altar as a space imbued with spiritual significance. Drawing on a wide range of contemporary visual and documentary sources, the study traces the continuity and variation in the altar’s iconography, offering a nuanced understanding of its role in medieval Christian worship.
The Mass of Saint Gregory (1485–1495). New York. The Metropolitan Museum of Art, 1976.100.24.
An essential element among medieval church furnishings was the tabernacle or sacrament house, where the consecrated Host was placed for storage toward the end of the Mass. While the most numerous and best studied of such tabernacles to survive are in and around Germany, this article offers a first comprehensive account of medieval tabernacles preserved in the Basque Country (País Vasco/Euskadi) of northern Spain; scholars have hitherto overlooked these tabernacles. The focus here is on tabernacles created between the councils of Lateran IV (1215) and Trent (1545–1563), when a lack of clear prescriptions resulted in considerable variety. All examples studied were produced in the late Gothic and early Renaissance styles, and these tabernacles’ forms fall into two types: wall niches and freestanding towers. Many tabernacles consist only of architectural frames, but some feature elaborate iconographic programs; while some are true works of art, many others are rather modest or based on fine models but executed in a provincial manner.
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